El teatro se parece cada vez más a la televisión

El éxito de Broadway 'Good Night, and Good Luck' explora el impacto de la televisión en la cultura estadounidense. (Imagen Ilustrativa Infobae)

Uno de los éxitos más taquilleros de esta temporada en Broadway es una obra aclamada por la crítica sobre el poder de la televisión, protagonizada y coescrita por una estrella que comenzó su carrera en la TV, con primeros planos en vivo y material de archivo transmitido en pantallas gigantes. Good Night, and Good Luck está ambientada en la década de 1950, cuando la investigación de Edward R. Murrow sobre la cruzada anticomunista del senador Joseph McCarthy fue posible gracias al nacimiento de la televisión.

La obra, protagonizada por George Clooney como el periodista inquebrantable de CBS, resuena de manera particularmente oportuna, dadas las tensiones actuales entre los medios y la administración Trump. Su escalofriante montaje final traza el profundo —y, para muchos, degenerativo— impacto de la televisión y los medios digitales en décadas de cultura y política estadounidense.

Si aún no ha visto la producción, puede seguirla en directo este sábado por la noche a través de CNN y Max, antes de la entrega de los premios Tony del domingo, que celebra una temporada en la que las conexiones con la televisión han sido casi inevitables.

Hay cruces de estrellas televisivas, como Sarah Snook (The Picture of Dorian Gray) y Sadie Sink (John Proctor Is the Villain), que compiten por el premio a mejor actriz de obra, y Bob Odenkirk, nominado como actor de reparto por Glengarry Glen Ross, que también cuenta con Kieran Culkin y Bill Burr. Los musicales Smash y Boop, así como el espectáculo de estilo parque temático Stranger Things: The First Shadow, intentan teatralizar contenidos nacidos en la televisión. El diseño de video ofrece a la nominada Nicole Scherzinger sus primeros planos al estilo Norma Desmond (en Sunset Blvd., dirigida por Jamie Lloyd), multiplica a Snook en todos los personajes de la novela de Oscar Wilde y amplifica el rostro severo de Clooney a proporciones del Mago de Oz.

Incluso mientras Hollywood reduce su producción —lo que en parte podría explicar el auge de estrellas en escena esta temporada—, la televisión sigue siendo una forma de cultura compartida ampliamente popular. Es lo que comentamos con amigos y colegas, cómo escapamos o interactuamos con el presente, y una fuente casi diaria de entretenimiento. Ha moldeado nuestra atención, qué seguimos y cómo lo hacemos. A medida que la TV compite con los videos breves en redes sociales, el teatro compite con ambos, prometiendo una alternativa sin igual.

Esa es, al menos, la esperanza. En la industria teatral, especialmente tras la reanudación de los espectáculos en vivo después del confinamiento por la pandemia, se ha hablado mucho sobre cómo competir con el streaming doméstico, un dilema que también enfrenta el cine. Se vuelve cada vez más evidente cómo los productores intentan atraer a una audiencia acostumbrada a la televisión: llevando el lenguaje del streaming al escenario. Los resultados han sido dispares, con espectáculos influenciados por la TV entre los mayores éxitos y fracasos de la temporada. Por más imbuido en otros medios que esté un espectáculo, una obra en vivo aún debe sentirse viva y demostrar el valor de la experiencia presencial.

La temporada de Broadway destaca la influencia de la televisión y el streaming en el teatro actual. (Imagen Ilustrativa Infobae)

El teatro y la televisión han evolucionado en simbiosis desde los tiempos en que programas antológicos como The Philco Television Playhouse (1948-1955) y Playhouse 90 (1956-1961) llenaban la programación con teleobras. Este último dio origen a dramas como The Miracle Worker y Judgment at Nuremberg, antes de convertirse en obras teatrales y películas. En la primera “Edad de Oro” de la TV, en el siglo XX, el drama estadounidense y la programación de horario estelar solían reflejarse mutuamente, abordando dilemas sociales a escala familiar.

El talento ha circulado desde hace tiempo entre ambos medios, con la TV ofreciendo más dinero y visibilidad, mientras que el teatro puede ser un desafío profesional para estrellas como Clooney. Dramaturgos han estado detrás de algunas de las mejores series de prestigio. El flujo sigue activo: Matthew Weiner, creador de Mad Men, acaba de estrenar su primera obra profesional, sobre John Wilkes Booth, en el Baltimore Center Stage. Incluso el legendario crítico de teatro Frank Rich, productor de Succession, ahora hace televisión.

La expansión de narrativas complejas y audaces en la televisión ha moldeado el gusto de los espectadores por un teatro más arriesgado. Fans que ven 10 horas de Severance con paciencia para lo incierto podrían estar preparados para una historia distópica como The Effect, de Lucy Prebble, sobre un ensayo clínico con drogas que inducen el amor, presentada fuera de Broadway el año pasado. Y quienes quedaron impactados con los dramas familiares de Succession (donde Prebble fue productora) podrían apreciar Purpose, el drama ganador del Pulitzer de Branden Jacobs-Jenkins sobre una pareja influyente del movimiento por los derechos civiles que protege su legado. (Claro está, también hay fanáticos del teatro que no ven televisión, y respeto su gusto puro).

¿Serían tan comunes hoy los personajes antipáticos o repulsivos en escena de no ser por el auge de los antihéroes liderado por Carrie Bradshaw y Tony Soprano? David Mamet se anticipó a ambos con Glengarry Glen Ross (1983), otro de los grandes éxitos taquilleros de esta temporada, con Odenkirk y Culkin tras sus reinados como antihéroes televisivos. La producción ejemplifica una estrategia antigua para atraer a fans del cine y la TV al teatro: fichar estrellas de Hollywood.

La taquilla de esta temporada demuestra que esa estrategia sigue funcionando bien y puede ofrecer resultados electrizantes. Snook está formidable en Dorian Gray, con una actuación híbrida que muestra su dominio del primer plano y su valentía escénica al interpretar una variedad de personajes. Sink también brilla en John Proctor Is the Villain, como una adolescente que enfrenta un escándalo escolar en plena era del #MeToo. (Ambas actrices tienen experiencia teatral previa).

Las entradas para estas dos obras están a la par del precio promedio en Broadway, muy por encima del costo mensual de un servicio de streaming con contenido ilimitado. Nunca debatiré el valor de la experiencia en vivo. Pero el cierre del teatro en 2020 impulsó innovaciones emocionantes, como Circle Jerk, escrita e interpretada por Michael Breslin y Patrick Foley, que exploraba un espacio híbrido entre lo digital y lo presencial. El teatro en streaming también planteó cuestiones de accesibilidad, llegando a públicos que normalmente no asistirían a una sala. Hamilton llegó a Disney+, una bendición para fans y quienes no podían conseguir (o pagar) una entrada.

Sin embargo, cuando existen excelentes versiones filmadas de obras teatrales, surge la pregunta sobre qué se paga realmente, especialmente con precios tan altos. En Glengarry Glen Ross, donde la entrada promedio la semana pasada costaba USD 236 y las más caras USD 799, podría decirse que no mucho más que el atractivo de ver a buenos actores en una obra que se ha revivido tres veces en Broadway en 20 años. En Good Night, and Good Luck, con un precio medio de USD 339 y boletos premium a USD 825, el director David Cromer enriquece una lección histórica oportuna con una producción física impactante, nominada en todas las categorías de diseño de los Tony.

Estrellas de la TV y el cine impulsan la taquilla de Broadway en una temporada marcada por la convergencia de medios. (Imagen Ilustrativa Infobae)

Aun así, ambas obras tienen versiones cinematográficas disponibles en streaming por $3.99 o menos, lo que subraya el análisis costo-beneficio que enfrentan los consumidores. (La tendencia continuará la próxima temporada con Dog Day Afternoon, una nueva obra basada en los hechos que inspiraron la película, protagonizada por Jon Bernthal y Ebon Moss-Bachrach de The Bear). Para algunos, ver a una estrella en persona justificará el precio. (Por favor, no empecemos con Othello). Pero ojalá un espectáculo ofrezca mucho más: emociones y provocaciones que solo pueden surgir en un espacio compartido. No fue así, en mi opinión, con Cult of Love, un drama familiar navideño de Leslye Headland, creadora de Russian Doll, que parecía hecho para televisión, con un reparto de estrellas del pequeño formato como Zachary Quinto y Shailene Woodley.

Una producción puede sentirse audazmente teatral incluso cuando incorpora muchas pantallas. Sunset Blvd. usa video en vivo para comentar sobre la obsesión de Hollywood con la juventud y la belleza, integrando la tecnología con momentos escénicos vibrantes. (Espere afuera del teatro St. James en el intermedio para ver a Tom Francis cruzar la calle 44 seguido por el elenco y un equipo de cámara en vivo). El uso de video y proyecciones en escena ha sido cada vez más sofisticado y común, reflejo natural de una cultura saturada de medios.

Las adaptaciones teatrales de franquicias televisivas enfrentan el reto de transformar material serializado en espectáculos que ofrezcan al público algo más que lo que obtendrían en casa. Aunque trata sobre la creación de un musical, Smash se mueve con la rutina de una comedia de situación. Para atraer a una audiencia más amplia que los fanáticos de base, estas obras también deben funcionar de forma independiente. Stranger Things actúa como un puente hacia la temporada final de la serie en Netflix a fin de año, pero puede desconcertar a los nuevos. Boop, basada en uno de los primeros personajes animados en la TV, sí logra ofrecer un espectáculo espectacular tanto para devotos de Betty como para escépticos. Las tres han tenido dificultades para despegar en taquilla.

Para una industria precaria que compite por atención y enfrenta costos crecientes, recurrir al talento y la innovación de la televisión es una decisión empresarial inteligente. Puede conducir al éxito comercial (tanto Good Night, and Good Luck como Glengarry Glen Ross recuperaron sus inversiones iniciales). También puede conducir a un arte excepcional, cuando el teatro se compromete con lo que no puede lograrse a través de una pantalla: atrapar al público por la garganta.

(c) 2025, The Washington Post